Урок первый. Упражнения с карандашом

Чем больше вы нарисуете треугольников, квадратов, ромбов, кругов (и все они будут одинакового размера) - тем лучше вы справились с заданием.

Урок второй. Техника работы акварелью

Перед рисованием акварельными красками необходимо приготовить стакан воды, мягкую ветошь для вытирания лишней краски с кисти, палитру из плотной белой бумаги, на которой подбирают необходимые цвета прежде, чем раскрашивать рисунок. Перед рисованием краски нужно слегка смочить водой для того, чтобы они хорошо набирались на кисть.
При смешивании красок – не более двух-трех, получают новые цвета и оттенки. Добавляя в акварель воду получаем более светлый тон.

Если рисовать краской по мокрой бумаге, то получим мягкие переходы из цвета в цвет. Неудачное место можно смыть водой, снимая излишек сухой кистью или губкой.

Рисунки акварелью выполняют сверху, подготовив нужный цвет разведенной краски. Оптимально держать под рукой две кисти, лучше всего беличьи. Номера кистей – 4 и 8 (или 10). Номер 4 – для рисования мелких деталей, №8 или 10 – для заливки больших плоскостей. Кисти должны быть остроконечные, когда они наполнены водой или краской. Тонкую линию можно провести, если держать кисть вертикально, широкую – если держать кисть наклонно.

Начнем упражнения по смешиванию красок. Возьмите зеленую краску, положите мазок на бумагу, затем сполосните кисть от краски. Теперь возьмите на кисть желтую краску и смешайте на бумаге с зеленой. Посмотрите, какой цвет получился. Теперь смешайте таким же образом красную и желтую, красную и синюю, черную и желтую. Вы увидите, что смешивая зеленую и желтую краски вы получите красивый светло-зеленый цвет, а смешивая красную с желтой – оранжевый, красную с синим – фиолетовый цвет, черную с желтым – зеленый болотный цвет, синюю с желтым – зеленый. Белой краской в акварели не пользуются, что естественно – роль белой краски выполняет бумага, а для того, чтобы получить любую насыщенность цвета краску просто разводят необходимым количеством воды.

Для практики возьмите один предмет, например, яблоко. Лучше всего приобрести муляж яблока и других фруктов для дальнейшей работы с ними. Положите яблоко на стол и внимательно рассмотрите его форму и из каких цветовых отношений оно состоит. Повторите вслух, какие цвета содержит в себе яблоко на свету и в тени и только тогда приступайте к его зарисовке. Для облегчения поиска композиции (расположения) в листе необходимо вырезать из плотной бумаги прямоугольник 8х10 см. и в нем отверстие 3х4 см.
Поворачивая, приближая или удаляя эту рамку, глядя в нее прищуренным взглядом, вы увидите тот момент, когда в ней будет красиво расположено яблоко или другой предмет, который вы будете рисовать.
Порядок работы и применение отдельных приемов.

1. Намечаете верх и низ рисунка (чтобы «хватило листа»)
2. Намечаете общую форму предмета
3. Сравнением наброска с моделью (натурой) уточняются относительные размеры (ширина, высота), подчеркиваются характерные особенности предмета
4. Подбирается цвет, но не просто по названию («красный», «зеленый», «синий»), а путем отыскивания на палитре, смешивая краски.

Урок третий. Особенности постановки натюрморта

Натюрморт для начинающих легче, чем, например, портрет или пейзаж. Предмет в натюрморте неподвижен, его форму легче понять и передать в рисунке. В этой работе начинающий лучше усвоит самые основы рисунка, без которых рисовать более сложные объекты, например, фигуру человека, будет совершенно непосильно.

Чтобы работа была интересной, необходимо выбрать интересную группу предметов. Самые красивые группы предметов нужно искать в окружающей действительности. Это могут быть самые разнообразные по своему содержанию группы: посуда на столе, уголок кухни, группа предметов на дворе. Красота таких групп заключается в их жизненности, в том, что они имеют смысл и содержание. Простота и обыденность изображаемого объекта оставляют большой простор для творчества. Эти натюрморты можно рисовать такими, какими их удалось увидеть. Можно внести и некоторые поправки. Но чаще всего, в особенности для длительной работы, группу предметов приходится «ставить», т.е. находить нужные предметы и самому составлять их, комбинируя из них натюрморт. Ставить натюрморт нужно просто, естественно располагая предметы в пространстве в глубину. Предметы бывают высокие или низкие, про которые мы говорим «стоят» или «лежат» (кувшин – стоит, яблоко – лежит).

Не собирайте предмету в одну кучу и не расставляйте их в ряд. Не надо также ставить высокие предметы только на заднем плане. Их можно поставить и впереди, но так, чтобы задний план был в достаточной мере виден. Отдельные предметы могут быть частично загорожены другими, как это часто приходится наблюдать в жизни.

Вначале следует избегать трудных и сложных комбинаций, поэтому при постановке натюрморта нужно соблюдать следующие правила:
натюрморт должен быть помещен так, чтобы нижние части предметов (основания) и их расположение на столе были бы видны. Для этого группу надо поставить ниже уровня глаз.
натюрморт должен помещаться на каком-либо фоне. Фон лучше всего гладкий, спокойный и не темный – стена, картон, ткань без складок и т.п.
подбирая предметы надо учитывать, насколько трудно будет их рисовать. Более трудными надо считать предметы, форма которых раздроблена мелкими деталями, украшениями и трудно воспринимается по конструкции.

К трудным можно отнести и блестящие предметы – металлические, покрытые глазурью, а также складки на материи. Каждая складка имеет форму, объем, разобраться в них начинающему трудно и поэтому вначале вводить в натюрморт ткани со складками не нужно. Трудно будет изображать крупные предметы с гладкими поверхностями (вазу, кувшин) рядом с мелкими предметами.

Приступая к рисованию, вы каждый раз должны вначале представить себе, как будет выглядеть рисунок – как расположится на бумаге вся группа, весь натюрморт вместе, чтобы он не «упирался» в края бумаги. При помощи «видоискателя» (вырезанного из плотной бумаги прямоугольного «окошка») необходимо найти оптимальный вариант.

Задача заключается в том, чтобы по-возможности ближе к натуре изобразить натюрморт, или предмет, стоящий перед глазами. Необходимо стремиться как можно ближе подойти к изображению предмета как такового (форма, цвет, поверхность, детали, светлые и темные места, блики, тень, полутона). Однако нужно писать не предмет отдельно, а пространство в целом как основную тему натюрморта.

Рисующий, наблюдая предметы, смотрит на них с определенной точки зрения, и они предстают его взору в строго определенном виде, обусловленном законом перспективы. Совершенно ясно, что изображая натюрморт, необходимо все составляющие его предметы и другие элементы (расстояния, промежутки, фон) подчинить этой одной, установленной для рисунка точке зрения.

Кроме того, предметы в натюрморты связаны между собой и освещением – одинаковыми условиями освещения для всех предметов: в натуре устанавливается определенное, вполне закономерное распределение света, тени, полутонов, освещенности отдельных частей натюрморта.

Урок четвертый. Чувство формы и линии

Начинающие художники, как правило, увлекаются копированием. Ничего плохого в этом нет, главное, чтобы чтобы копирование с иллюстраций, репродукций не велось «на глаз», а со знанием изобразительной грамоты, какую форму, пропорции, объем имеет тот или иной копируемый предмет, фигура, орнамент.

Когда вы рисуете с натуры, перед вами стоит задача передать объем предмета в пространстве. Для этого любое прикосновение карандаша к бумаге должно быть обосновано пониманием строения формы, законов светотени, перспективы, анатомии. При регулярном занятии рисованием накапливается опыт, знания, умение смотреть на натуру, ставить перед собой задачу и, совершенствуясь, двигаться вперед. Сознательное копирование в процессе обучения рисунку играет большую роль. Хороший рисунок – будь то натюрморт, портрет, пейзаж и т.д. – служит необходимым и незаменимым пособием для рисующего.

Копирование работ выдающихся художников всегда благотворно сказывается на понимании законов живописи и приносит большую пользу рисующему.

Всякий предмет имеет три измерения: длину, ширину и высоту. Под объемом следует понимать его трехмерную величину, ограниченную поверхностями, под формой – наружный вид, внешние очертания предмета. Изобразительное искусство в основном имеет дело с объемной формой, поэтому в рисовании необходимо чувствовать ее, подчинять ей все способы и приемы выполнения рисунка. Даже при рисовании простейших фигур необходимо развивать в себе чувство формы.

Для лучшего понимания формы в целом, прежде чем приступить к рисунку, необходимо рассмотреть натуру с различных сторон. Рисуя, например, куб, нельзя изображать видимые его стороны без учета сторон, скрытых от обзора. Не представляя их, невозможно нарисовать правильно куб. Без ощущения всей формы в целом изображаемые предметы будут казаться односторонними.

Под конструкцией, или строением предмета, следует подразумевать взаимное расположение и связь его частей. Понятие конструкции свойственно всем существующим предметам, созданным природой или руками человека, начиная с простейших предметов быта и заканчивая сложными формами органического мира. Художник не должен видеть окружающую действительность только в случайном светотеневом состоянии. Ему необходимо уметь находить закономерность в строении предметов. Эта способность развивается постепенно в процессе рисования с натуры. Изучение геометрических тел и предметов, близких к ним по своей форме, а затем и предметов, более сложных по своему строению, обязывает рисующих более сознательно относиться к рисованию, выявлять характер конструкции и назначение изображаемой натуры.

Линия, или черта, проведенная на листе, является одним из основных элементов рисунка. В зависимости от назначения она может иметь различный характер. Она может быть плоской, однообразной, по существу ничего не выражающей. В таком виде она имеет вспомогательное назначение (разметка на листе рисунка, набросок, обозначение пропорций).

Начинающие рисовальщики, не понимая, что линия в рисунке есть итог сложной работы над формой, обычно прибегают к плоской, условной и однообразной линии. Такая линия с одинаковым безразличием очерчивает края предметов, не передавая ни формы, ни света, ни пространства. Начинающие зачастую обращают внимание прежде всего на наружные очертания предмета, стараясь механически скопировать его, чтобы затем заполнить контур случайными пятнами света и тени. Но у плоскостной линии в искусстве есть свое назначение. Она применяется в декоративно-живописных работах, в стенных росписях, мозаиках, витражах, станковой и книжной графике, плакате – во всех изображениях плоскостного характера, где изображение увязывается с определенной плоскостью стены, стекла, потолка, бумаги и т.д. Здесь эта линия дает возможность обобщенно передать изображение.

Глубокое различие между плоскостной и пространственной линиями необходимо усвоить с самого начала для того, чтобы в дальнейшем не получилось смешения этих различных элементов рисунка.

Урок пятый. Рисуем натюрморт

Когда определена точка зрения, границы натюрморта и форма листа (вертикаль или горизонталь), можно приступать к рисованию.

Задача состоит в том, чтобы в процессе рисования не нарушать замысла, который у вас сложился. Поэтому нельзя рисовать, начиная с отдельного предмета, постепенно пририсовывая к нему остальную часть изображения. В этом случае неизбежно будут нарушены сравнительные размеры предметов, рисунок может не уложиться в лист или оказаться значительно меньше, чем нужно.

Начинают с наброска всей группы – ее нужно закомпоновать в листе легкими беглыми линиями, очертить весь натюрморт, устанавливая на листе места, где располагаются предметы. В этой работе вы встретитесь с задачей установить правильные соотношения размеров предметов. Рассмотрим все по порядку.
Чтобы нарисовать что-либо на листе бумаги вначале надо построить изображение. Этим закладывается своеобразный фундамент для всего рисунка. Когда натюрморт построен в основном, необходимо уточнить пропорции предметов, их расположение и связи в группе.

Прежде всего надо понять, что основная задача – изобразить форму предметов. Часто многие этого не понимают и считают, что если срисовать только контур предмета, то рисунок передаст и форму. На самом деле это не так.

Обрисовывая контур, можно совершенно упустить саму форму предмета и его объем. Обычно так и получается. Линия, как согнутая проволока, огибает предмет, а в середине, где он должен быть – пусто. Кроме того, задача срисовать контур очень сложна, значительно более сложна, чем нарисовать сам предмет. В результате может получиться, что левая и правая стороны будут в чем-то отличаться одна от другой. Правильнее делать таким образом, чтобы контур получился в результате рисования формы.

Если перед вами, например, кувшин, то вначале рисуется общий его набросок, который определит место предмета в листе и установит основные его пропорции. Прямыми упрощенными линиями очерчиваете предмет, устанавливая его ширину при помощи осевой линии, которая поможет вам в построении левой и правой сторон. По листу определяете высоту кувшина и других предметов в пропорциях по отношению к кувшину. Дно кувшина представляет собой круг, горлышко тоже имеет его в своей основе. Легкими движениями, в пределах первоначального наброска, наносим эти круги (конечно, сокращая их в перспективе). Проверьте, достаточно ли устойчиво на листе «стоит» кувшин, не «перекосился» ли он, не «падает» ли. Это легко проверить, сравнивая расположение частей, главным образом верха и низа.

Внимательно глядя на натуру, вы придаете рисунку характерную форму стоящего перед вами натюрморта. Построить – не значит вычертить. Предметы рисуют тонкими линиями. Не надо торопиться, не надо «хвататься» за первое впечатление – сначала нужно построить основное, все предметы целиком, соблюдая пропорции, высоту, ширину предметов, их связь между собой. Лишь после этого переходят к более мелким деталям и уточнению формы предметов.

Легко стирайте линии построения, чтобы не нарушить фактуру бумаги, так как если вы ее нарушите, то в дальнейшем будут трудности с наложением красочного слоя.

В самом начале работы с красками пройдите очень легко по всему листу, подбирая нужный цвет на палитре.

Не спешите, не берите нужный цвет в полную силу, а действуйте постепенно, накладывая его по всему натюрморту. Не старайтесь скрупулезно передавать и в рисунке и в красках все щербинки, черточки и случайные пятна.





Несколько полезных советов
Всматриваясь в натуру и свой рисунок, прищурьтесь и вы увидите, что многое обобщается и видны только тоновые цвета, которые вам необходимо передать в своем рисунке.
При работе краской накладывайте мазки по форме предмета, чаще отходите и смотрите на свою работу с расстояния.
Старайтесь выслушать и проанализировать любую добрую критику.
Не раскрашивайте одной краской предметы, которые рисуете. Внимательно вглядывайтесь и смешивайте, добавляйте к основному цвету другие цвета, присутствующие в данном предмете, иначе натюрморт будет не нарисован, а раскрашен.
Не стоит опускать руки, если первая попытка оказалась не совсем удачной. Повторите этот же натюрморт, только с другой точки зрения. Чем больше работ вы сделаете, тем лучше. Количество впрямую влияет на качество.
Работы, даже неудачные, не выбрасывайте, а складывайте в папку и через месяц-другой разложите их, внимательно проанализируйте и отберите наиболее, на ваш взгляд, удавшиеся.
Не останавливайтесь на достигнутом, с каждой работой усложняйте задачу, чередуя рисунок с живописью, работу с натуры с работой по памяти, по впечатлению.
Рисунки акварелью начинают выполнять сверху, предварительно приготовив на палитре нужного тона краски. Полусухой кистью можно снять излишек краски или высветлить нужное место, ведя ею снизу вверх. Рисунок акварелью выполняют, начиная со светлого. Цвета в акварели смешивают на палитре во влажном состоянии или вливая цвет в цвет на рисунке. Если рисовать краской по мокрой бумаге, то получим мягкие переходы из цвета в цвет. Неудачное место можно смыть водой, снимая излишек краски сухой кистью или губкой.


Нет и не может быть готовых рецептов для написания каждого из материалов натуры. Разница при передачи фактуры может быть выявлена и при широкой и при детальной манере письма, при гладкой и мазистой живописи, хотя приемы будут применены различные. Можно только рекомендовать класть мазки «по форме». Степень детализации может быть различной, но передача разной фактуры предметов остается одной из главных задач учебных постановок. Следует помнить, что все мелочи натуры перечислить невозможно, но наиболее существенные детали обогащают ее характеристику в живописном произведении.

Урок шестой. Приемы рисования - штриховка и тушевка

При рисовании с натуры существуют два основных приема: штриховка и тушевка. Штриховка – это нанесение штрихов той или иной толщины и силы нажима, а, значит, и степени затемнения на том или ином расстоянии друг от друга. Они могут быть прямыми и кривыми, короткими и длинными, накладываться друг на друга в несколько слоев. Тогда получается своеобразная сетка из штрихов.

Тушевка – это растирание карандаша по поверхности бумаги различными растушевками (тампон из бумаги, ваты, замши и т.п.) в виде сплошного тона той или иной силы.



Можно пользоваться и тем и другим приемом и даже применять их вместе. Но обязательно нужно избегать механического тушевания или штриховки, то есть, не думая о характере поверхности, закрывать то или иное место рисунка.

Выполните следующее упражнение. Поставьте для рисования бумажный или гипсовый куб, но так, чтобы ребра на переднем и заднем планах не совпадали. На первых порах нужно сделать искусственное освещение электрическим светом. Если источник света (лампа) впереди и сверху от куба, то сильнее будет освещена его передняя левая грань, а правая окажется в тени. Сделайте построение рисунка. Вы видите только три грани и соответствующие этим граням ребра. Остальные ребра невидимы. И, несмотря на это, при построении рисунка куба надо точно представить, где должны быть скрытые от обзора ребра, иначе трудно будет правильно построить рисунок.

После построения, внимательно изучая силу света и тени на поверхности куба, нельзя не заметить, что отличаются друг от друга не только цельные грани, но и каждая грань освещена неравномерно: у одного края сильнее, у другого – слабее. Особенно это видно на теневой грани. Грань заметно темнее там, где она граничит с освещенной гранью, а по мере удаления от границы – светлеет. Это происходит от того, что на темную сторону попадает отраженный свет от освещенной поверхности стола. Этот эффект называется рефлексом. Таким образом, мы определили характер освещения куба. Мы видим на нем свет, тень, рефлекс и падающую тень (тень от куба на поверхности стола). Все это и надо тщательно проработать тоном, постепенно усиливая более темные места. В процессе работы все время нужно проверять не только силу тона, но и правильность построения рисунка. Нарисуйте с натуры цилиндр, шар и другие геометрические фигуры, следуя за правильным построением и соблюдением пропорций, тоновых решений.

Урок седьмой. Практические занятия

УПРАЖНЕНИЕ 1
Проделаем следующее упражнение. Возьмите любую книгу, положите ее на стол и посмотрите на нее сверху. Книга будет выглядеть как прямоугольник без всяких искажений. Нарисовать такой прямоугольник несложно. Следует только определить, в каком направлении пойдут края книги и насколько длина книги больше ширины.



Теперь сядьте на расстоянии приблизительно 50 см. от книги. Взгляд на нее направлен по касательной, один угол книги находится ближе, стороны от него расходятся влево и вправо под некоторым углом.



Нарисуем края книги. Затем отметим на глаз размер ширины и длины книги и нарисуем два ее дальних угла. Если внимательно присмотреться, то можно заметить, что подчиняясь законам перспективы дальние стороны чуть-чуть меньше ближних. Удаляясь в глубь пространства параллельные линии как бы сближаются. Так их и надо рисовать.

Глубину пространства в рисунке нужно все время ощущать посредством силы прикосновения карандаша к бумаге. Ближний к нам угол рисуем более энергичным штрихом, а по мере удаления вглубь штрих делаем легче.

Если мы поднимем книгу до уровня глаз, то увидим, что все стороны книги слились в одну линию.



Если поднимем книгу выше уровня глаз, то дальний угол будет ниже ближнего.



При рисовании нужно следить за соотношением размеров. Что, например, больше: высота или ширина той или иной части, - и на сколько. Сопоставление размеров, или, как еще говорят, определение пропорций – одно из важнейших действий рисовальщика. Задача состоит в том, чтобы правильно определить отношения размеров. Вопрос об отношениях в изобразительном искусстве очень важен, т.к. художник постоянно с ними встречается – отношения размеров, тональные, цветовые и т.д.

УПРАЖНЕНИЕ 2
Вырежем из бумаги круг диаметром 20 см. Попробуем нарисовать этот круг в таких же положениях, как мы это делали с книгой.

Первый рисунок у нас будет в виде полного круга.



В процессе приподнимания над столом круг примет для наблюдателя форму эллипса,



узкого эллипса,



горизонтальной линии



и опять эллипса, когда будет находиться выше уровня глаз.



Следует помнить: как бы узок не был эллипс, все равно узкие края нельзя делать углообразными, резкими. Всегда нужно находить плавное закругление нужной величины.



Теперь можно нарисовать стакан с водой. Не забывайте делать ближние края ярче дальних.



УПРАЖНЕНИЕ 3

Куб, цилиндр или конус для упражнений можно склеить из бумаги. На двух сторонах куба при помощи циркуля вычертите круги, максимально большие, на сколько позволяет площадь сторон. Вы видите, что окружности касаются центров сторон куба. Для того, чтобы правильно нарисовать круг без помощи циркуля, необходимо построить квадрат, разделить пополам противоположные стороны и плавной линией соединить эти точки.

Урок восьмой. Цветовое напряжение колорита

Изображая на холсте натюрморт, пейзаж или жанровую композицию, важно показать то цветовое напряжение, которым характеризуется натура. Нельзя, например, правдиво написать пейзаж в момент огненного заката, пользуясь разбеленной гаммой красок, или передать сцену при рассеянном освещении при помощи плотных и насыщенных цветов.

Если мы хотим достоверно изобразить светлые предметы в натюрморте при вечернем или искусственном освещении, их надо писать звучными и плотными цветами.

Преувеличенная напряженность цветовых отношений приводит к тому, что краска остается просто краской, не перевоплощаясь в материал видимого предмета, не передавая состояние. Такая работа не привлекает и не волнует.

При сильном солнечном цвете цвета выбеливаются, различие между ними слабеет, стирается, и это должен увидеть и использовать художник для достижения правдивости и выразительности изображения.

Истинный, эмоционально значимый колорит создается в том случае, если художник передает цветность натуры в определенных условиях освещения и состояния атмосферы и подчиняет все это образной задаче.

Немалую роль в создании эмоционально сильного и естественного цветового строя играет закономерное чередование теплых и холодных оттенков. Противопоставление теплых и холодных оттенков на свету и в тени является одним из важных качеств реалистической живописи. Теплыми называются все цветовые оттенки, которые приближаются к красным и желтым (ассоциируются с теплом, огнем). Холодные оттенки тяготеют к зеленым, синим, фиолетовым и связаны с ощущением холода. Любой цвет может быть и теплым и холодным, в зависимости от того, к чему ближе его оттенок: к красно-оранжевому или сине-зеленому цвету. В природе часто бывает, что света (то, что освещено) холодные, а тени теплые, и наоборот. В комнате обращенные к окну стороны предметов всегда освещаются холодным светом. Теневые стороны приобретают более теплый оттенок, отраженный от стен и потолка. Под открытым небом предметы освещаются теплым солнечным светом, а тени отражают холодные оттенки синего неба. Сопоставление и чередование теплых и холодных цветов имеет место и на ровно освещенных или затемненных поверхностях. Так, например, тени на снегу в зимний солнечный день кажутся синими по нескольким причинам: от рефлекса неба, от контрастного воздействия желто-оранжевого цвета снега, освещенного солнцем, и от контраста самого цвета освещения. Вот почему цвет любой поверхности нельзя понимать как только холодный или только теплый. Скорее всего здесь происходит борьба двух цветовых начал: теплого и холодного. Противопоставление теплых и холодных оттенков служит одним из условий создания гармонического колорита.

Богатство и разнообразие взаимных рефлексов, общее тоновое и цветовое состояние освещенности, влияние спектрального состава основного источника света, контрастное взаимодействие теплых и холодных оттенков цвета – все это объединяет цвета, делает их соподчиненными и родственными. Именно единство в разнообразии и определяет гармоничность колорита. Ни один цвет нельзя вводить в этюд или картину, не согласовав его с общим колоритом. Краска на холсте всегда звучит резко, если не подчинена общему тоновому и цветовому состоянию. Гармония, единство колорита в картине определяется родством красок природы. Колорит в живописи – это результат познания художником объективно существующего цветового богатства.

Единство и цельность изображения

Если изображение правильно построено, соблюдены пропорции, перспектива, объем, но все детали выписаны или нарисованы с одинаковым акцентом на переднем и заднем планах, то все предметы одновременно будут «лезть» на передний план, так как не соблюден цветовой строй изображения в соответствии с целостным зрительным впечатлением.

Зрительная цельность живописи и рисунка зависит от подчиненности второстепенного главному, в увязке всего изображения в одно целое.
Если картина представляет собой пестрый набор равнозначных цветовых пятен, контрастов, она теряет свою зрительную убедительность. По этой причине главное обычно размещается вблизи от оптического центра картины. Это позволяет зрительно охватить всю картину сразу и воспринимать содержание как единое целое.
В процессе изображения натюрморта, пейзажа или портрета не имеет смысла придавать деталям одинаковое значение, вырисовывать или выписывать их одинаково подробно. Отчетливо мы должны видеть то, что является главным в работе.

Когда все детали равнозначны, изображение выглядит пестрым, перегруженным, глаз ни на чем не задерживается, блуждает по всей работе – трудно найти главное и связь с ним второстепенного, работа разваливается на части.

«Нет прекрасного вне единства, и нет единства без подчиненности», - говорил Дидро. Определяет законченность картины не обилие деталей, а верность общего. В каждом сюжете есть предметы главные, на которых наш взгляд задерживается, другие служат дополнением.



Поворачивая куб, можно наблюдать, как меняется круг, превращаясь в эллипс, узкий овал, линию.

Некоторые предметы, окружающие нас, имеют в своей основе форму усеченной пирамиды или конуса. При построении рисунков таких предметов нужно мысленно представлять вершину полной, неусеченной пирамиды или конуса.



Тогда легко найти наклонные ребра пирамиды или образующие линии конуса, а следовательно, найти путь к правильному построению рисунка таких предметов. Важно хорошо изучить все предлагаемые выше примеры и побольше практиковаться в построении таких рисунков.